incoherent walk. Irene Grau

El último proyecto de Irene Grau, incohérent walk, parte del contexto de uno de los primeros monocromos de la historia desarrollado por Les incohérents, un colectivo parisino de finales del siglo XIX formado por un heterogéneo grupo de (no)artistas y organizado por el joven escritor, Jules Lévy. Entre las propuestas radicales de los Incoherentes expuestas a principios de 1880 se encuentran una serie de imágenes monocromas del poeta Paul Bilhaud y del periodista y humorista francés Alphonse Allais. La idea de monocromo surgió como una broma conceptual precisamente como burla, en forma de crítica gráfica, a las pinturas de artistas como Turner, Monet o Whistler, cuyos paisajes finalmente perdieron los contrastes de claroscuro que definían las formas. En su conocido álbum Primo-Avrilesque, publicado el 1 de Abril de 1897, Allais reunió una serie de láminas de color con títulos que iban desde Primera comunión de niñas anémicas en la nieve a Cardenales apopléticos recogiendo tomates en la orilla del Mar Rojo (Efecto Aurora Boreal). Esta serie de gestos satíricos supone uno de los primeros ejemplos de pintura monocroma desde una relación ambivalente tanto con el lenguaje como con el género del paisaje. Y es también desde el conocimiento del pasado y de la historia del arte que este proyecto de Irene Grau cobra sentido y avanza en la redefinición contemporánea del género del paisaje, así como de la idea de desplazamiento, eje conceptual de su práctica artística.

Todo el trabajo de Irene Grau nos habla de pintura y paisaje, de proceso y desplazamiento. Lo hace a través de una rigurosa investigación sobre las posibilidades de la pintura monocroma y de cómo esta se relaciona con el paisaje, como género y como marco, pero sobre todo como experimentación, como modo de ver. Podríamos decir que Irene Grau es una plenairista conceptual que asume que la obra es sólo «lo que resta», de una experiencia más amplia que va más allá de un paisaje recorrido o una arquitectura estudiada, pues transmitir lo vivencial conlleva asumir una falta, aun así, su obra deja las suficientes pistas para que los espectadores sean capaces de reconstruir el camino y orientarse en su propia percepción.

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En 2010 recibió una beca de Excelencia Académica y de 2011 a 2015 la beca FPU concedida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España para desarrollar sus estudios de doctorado. Reconocida nacional e internacionalmente por premios como Generaciones 2018, las Becas de Creación Artística en el Extranjero Gas Natural Fenosa 2017 MAC, el Premio Mardel Artes Visuales 2017, o el premio PhotoEspaña Off Festival en 2015. En 2016 fue incluida en la lista Forbes “30 Artists under 30-Europe”. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones individuales en instituciones y galerías europeas y americanas como el Abroms-Engel Institute for the Visual Arts (AEIVA) en Birmingham, US; Madison Museum of Contemporary Art (MMoCA) en Madison, US; Projeto Fidalga en São Paulo, Brasil; la galería Heike Strelow en Frankfurt, Alemania; en el Centro de Arte Alcobendas, Madrid; así como en exposiciones colectivas en La Casa Encendida de Madrid, el CaixaForum de Barcelona, el CA2M Centro de Arte dos de Mayo de Móstoles, el CDAN Centro de Arte y Naturaleza y en Bombón Projects de Barcelona. Próximamente presentará proyectos en APPLETON en Lisboa, el CCEMX de Ciudad de México y en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia – FCAYC. Su trabajo se encuentra en colecciones como el Madison Museum of Contemporary Art (MMoCA), Madison WI, US; CA2M, Madrid; Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Madrid; Fundación DKV, Valencia; o Fundación OTAZU, Navarra, entre otros; así como en numerosas colecciones privadas de Europa, Asia y Estados Unidos.

Fotos exposición DIDAC: Roi Alonso